2010年8月27日金曜日

テオ・アンゲロプロス


ギリシャの映画監督、テオ・アンゲロプロスの4作品がBS2で連続放送された。 23日 シテール島への船出 24日 霧の中の風景 25日 永遠と一日 26日 エレニの旅 毎夜半、12時過ぎからの放送。 睡魔との戦いと思っていたが、何のことはない、物語と映像に魅せられた4ヶ日間は大満足な夏の夜の楽しみだった。 すでに、見ていた作品は最後の「エレニの旅」のみ。 しかし、どの作品も間違いなくアンゲロプロス。 全て、現代ギリシャを背景とした彼の初期の名作「旅芸人の記録」を引き継ぐ、音と映像の神話的叙事詩と言えるだろう。
今回の4作品もまた、飽きさせず、奇をてらうこともなく、じっくりと現代の悲劇を歌い続けた。 その背景は圧倒的な音と映像の魅力にある。 ただただ美しいとしか言いようのない、言葉にすることが出来ない映像世界。 そして、それを支える音と音楽の確かさ。 音はスタジオ取りでは、映像にはめ込むと嘘になり、映画にならない。 現場の、映像化された空間で発せられる雨音、水音、風音、靴音、クルマの音、汽車と汽船の霧笛、ドアが開き閉じる音、ホールに反響するアコーディオンやギター、そして歌声と会話、罵声やすすり泣き、絶望の絶叫が映像と協和し映画を生み出す。
4作品から敢えて1作をセレクトするなら、今回は「霧の中の風景」を挙げておこう。 まだ幼い姉と弟の旅。 大人たちは、居るはずもないと子供たちに語り、やめさせようと呻吟するが、 二人は頑に、父を求め、父を捜しにドイツを目指す。 心もとない、拠り所のない、生きる術が何処にも見つからない二人の旅。 その旅は「霧の中の一本の立ち木」を終着点とし、映画は終わる。 しかし、まだ、なにも終わっていない。 食べるものも、頼るものも、すがるものも、泣くところもない二人の旅はまだ続いているのだ。 ボクの心の中では。 それが、人生! と言ってしまうのは、あまりにも悲しいが。 5年前、「エレニの旅」を劇場で観たときの感想ブログは以下です。 http://leporello.exblog.jp/13857242/

2010年8月24日火曜日

ホフマン物語

19世紀のワーグナー、ヴェルディのオペラに匹敵する作品と言われる、 オッフエンバックの「ホフマン物語」を観た。 メト・ライブビューイング、東劇。 名作とは言え、このオペラを全曲聴くチャンスは非常に少ない。 そのせいか会場はいつものポピュラーなオペラに比べ空席がめだった。 3時間半に及ぶ「ホフマン物語」は、 自動人形、歌うことを止められたソプラノ歌手、高級娼婦という3人に恋をする詩人の話。 舟歌でも知られるように、その全体は華々しくかつ幻想的だが、 実際は、詩とは詩人とは何かを問う、 19世紀の切実な芸術の問題がテーマとなっている。 一幕と終幕、その間に三つの挿話が挟まれている。 オペラは情景も内容も多彩で複雑だ。 変化に富む場面と沢山の歌手たちによるアリアに重唱に合唱、 どの場面を切り取っても、そこは魅力一杯の音楽と舞台の展開。 全曲を通し、一貫した役割を演じるのは物語を語り演じるホムマンだけ。 しかし、実際はミューズはニクラウス、 リンドルフはコッペリウスとミラクルとダンベルトット、 場面と衣装が変わっても、 同じ歌手が幻想的には同じ人物を演じると言う複雑さ。 力量ある歌手でなければ、 多彩に演技し歌い続けることは至難と言える。 メトの公演。 世界中の名歌手を集められるこの劇場だからこそ、 可能であったと考えられるのが今日のオペラだ。 この鑑賞がよい切っ掛けだ、 改めてこのオペラのDVD化された他の公演を引き続き聴いてみたい、と今は思っている。 その理由はなんと言っても先に書いた、このオペラのテーマにある。 それは19世紀における芸術とは何かということ。 オッフェンバックは軽快なオペレッタだけの作曲家ではなかった。 17世紀のモンテヴェルディがオルフェに音楽家である自身のテーマを託したように、 19世紀のオフェンバックは市民社会の芸術家とは何か、 自分自身は何者なのかを、このオペラで語ろうとしている。 ミューズがニクラウスであるように、このオペラのポイントは、 三つの物語は全てホフマンが振られたステッラであることだ。 17世紀のオルフェも19世紀のホフマンも共にミューズから始まるところが面白い。 ミューズはご存知、詩歌の神、音楽の神、芸術の導き手だ。 そんなミューズと。 このオペラではホフマンは終始ミューズであるニクラウスと共にある。 そう、ミューズであるニクラウスは「音楽」ではあるが19世紀では「社会」なのだ。 ここにこのオペラのテーマが仕込まれている。 ニクラウスはリンドルフと共にホフマンからステッラを奪った。 全ての恋を失ったホフマンはミューズとわかれ、一人机に向かうところで幕が閉じられる。

2010年8月18日水曜日

有元利夫展「天空の音楽」を観る


音楽は音を聴くことだけが楽しみではない。 
絵画もまたタブローの上の色や形を眺めるだけが喜びではない。 
有元利夫はそんな当り前のことを教えてくれる、魅力ある大好きな画家だ。 
白金の庭園美術館、長時間、彼の作品を楽しんだ。 
こんなに恋しいのに、こんなに夢中なのに。 
しかし、絵は今回もまた、一言も、何も答えてはくれなかった。 b0055976_15383033.jpg

学生時代、ピエロ・デラ・フランチェスカに触れたのがこの画家の始まりだ。 
以来、その画風は一貫してルネサンス風、いや、中世的。 柔らかみのある色調の中の静かな安定した造形。 
どの作品もパースベクティブがない空間にたった一人の演者というテアトロン。 
「天空の音楽」と名付けられた美術展は確かに、聴こえない音も響き続けていたような気がする。 
絵のそばに置かれた小さな説明バネルの一つにこんな言葉が書かれていた。 
「僕が舞台を描くのは、 そこが演技をする空間だから、嘘をつく空間だからと言っていいかもしれません。 いっぱい嘘をついて いっぱい演技をして 様式を抽出すれば より真実に近づき 本当のリアリティが 出せると思うのです。」
 有元利夫は25年前 38歳の若さで亡くなった。