2015年4月30日木曜日

現代音楽の夕べ 

90年代生まれの芸大生2人と彼らの教授的立場にある2人の作曲家、2対2、4人の4曲の現代音楽コンサートはどこまでも新鮮で、素晴らしく楽しい時間だった。
前半の若手2人の曲はもう演奏のための舞台は不要と思ってしまう。
響き渡る音響はどこからということより、会場全体が大きな音空間となっているような拡がりが感じられる。
しかし、実際は指揮者がオーケストラと対峙する舞台の上での従来通りの演奏形式だ。
音源も電子音はということもなく、ヴァイオリン、ビオラ、チェロ、木管、金管・・・という、いつものと変わらないインストゥルメントによるオーケストレーション。
音楽はもう、メロディーはいらないのかもしれない。
多彩な音響による時間と空間の伸縮と強弱、その空間の振動と重合。 自由なリズムを刻むパッカーションが華々しく、表に出たり、陰に回ったり、あるいは消えていくような空間をいつまでも持続させるようと静かにとどまり続ける。
パンフレットの解説によるとオープニングはMultilubricity。
作曲者自身は、高密度な情報に疲弊した人類が作り出す音楽は「音楽」を放棄し究極の音素材であるインパルスのような音に還元される、と考えている。
ここでいうインパルスとは無限に短い時間と無限に高い音高を持つパルスのこと。
そして、その音響をどう受け止め、どうインテグレートするかは聴き手の自由ということだろう。
作曲者は物理モデリングシンセシスの模倣とピグミーの定旋律を下敷きにし全体をまとめたようだが、解説からは想像できない、全く異種の音空間が生み出されていることは事実だ。
さらに、二曲目の解説は作曲者によるとチェロが表現する音響そのもののミメーシス(隠蔽擬態)。
生物環境の中の微細な変容を音空間化しているようだが、そのイメージは音響が鳴り響く会場全体を微細な森の中の小さな葉と土塊の世界に変容していくように感じられた。
休憩後は野平氏と南氏のまさに20世紀の音楽だ。
それは従来の音楽的世界が解体されていく中、十二音技法という純粋で無記名な音の操作により新たな音楽的世界を生み出そうとされている。
しかし、そのイメージはまさに現代都市における建築デザインに似て、カタチがあるのかないのか、紡ぎだされるメロディーは、何かを語っているのだろうが、ナニモノも視覚化されなれない。
南氏のピアノ協奏曲は極めて興味深かった。
ナニモノも視覚化されないイメージの中、ピアノ音だけが終始、空間のどこかで響き渡り、消えていくのか、大きく踊り上がるのか、その息詰まるような音の持続は会場を後にしてもいつまでも鳴りやまない。

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